米米

【教程】摄影构图教程 I:地平线在构图中的应用

Terry F:

16/05/2015,第一次修订


拍照首先要学会使用器材,然后大概就是构图了吧。

我很清楚的记得,我第一次约片的时候,有个妹子来找我,然后看了我的图以后就果断放鸽子了...丢了一句话说我构图不行...(这故事我讲了蛮多次了,毕竟是我摄影经历中很难忘的一件事)

然而拍了这么久,写这个构图教程也是早就在策划之中,然而真正动笔了以后才发现,比起灯光,后期这一类的看似高端的技能,构图才是最难讲清楚的。以至于几千字的文章写了两个月,期间不停的修修改改,查了不少资料,好歹是把教程给磨出来了...


百度上能查到的大多数构图教程,大多泛泛而谈,其实构图里面所包含的道理远不是几个教程就能讲清楚...所以这里只对构图中的一个比较重要的要点进行详细分析...


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这里在开始聊构图之前先奉上之前的三部教程

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灯光和自然光的运用:http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_3a7be22
人像后期思路:http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_54b11ce
人像后期详细流程(第三次修订):http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_638547a




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构图和色彩这些东西,其实内行外行都有发言权的...因为不排除很多外行具有很高的审美水准(对号入座请慎重)。大多数人看构图,都是根据自己的经验做出评价...如果把大多数人的有积极意义的经验总结到一起的话,我们就有了理论...就好比语言本来没有语法这个东西...把大家说话的习惯总结起来,我们就有语法了...有了语法之后我们就可以根据语法来找语病了。




作为一个摄影,如果你只有自己的经验和观念,如果你一直满足于自己的小世界里的话,那么你的摄影水平也无法突破自己意识和经验的局限。不思进取就是成为老法师的第一步了。

那么有可能你的作品就是
这样的





这样的





和这样的





然后你还觉得构图蛮吊的...


 


我见过很多不论是网上还是身边拍的不错的人总喜欢把这句话挂在嘴边"我就是凭感觉拍照". 我想凭感觉拍照不一定是坏事,但如果你的感觉并不一定靠谱而你自己不知道呢? 所以不要轻易把自己当成艺术家,真正完全靠天赋的艺术家并不存在. 


 


这就是为什么我要来唠叨构图理论的原因.


 而这里,我打算详细的分析一下构图中最基本也是最经常被忽视的一点:


 


【摄影构图中的地平线】


 


这里主要分五点讲:


1. 什么是地平线(由面组成的)


2. 地平线的功能以及情绪表达


3. 地平线高度与主体的关系


4. 地平线角度与主体的关系


5. 打破地平线的构图




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1. 在说地平线之前我们其实先得明白什么是直线


 


在照片中,直线可以是实际能看到的有厚度的线,比如说桥梁,道路,也可以是两个面之间所形成的概念化的线,甚至可以是图片里两个点之间并不存在,只是你可以通过参照物感知到的线。








这也就意味着,地平线其实大多数情况下是一个概念化的线,它是当你看到在天空和地面(水面)交界的时候因为色差、明度差而主观形成的一个线的概念。


 


有的时候,地平线完全不可见,比如说拍树林的时候,树会打破地平线的构成。但是并不意味着地平线在这张图里不存在了。它实际上依然存在于观众的意识中,这种情况下,地平线是凭借参照物表现的。那么这种情况下,地平线应该改名叫“水平线”更为贴切。



(鼠标划线画歪了请见谅)


那么当你在拍摄构图中,处理地平线的时候,实际上你处理的是天空和地面(水面)这两个面的关系。地平线只是你处理二者关系过程中的一个重要参照物。


 


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2. 地平线的功能以及情绪表达


 


首先,地平线的主要功能是划分图片区域。例如下图,主体是楼房,地平线将天空和水面划分为两个等分,以此呈现真实和倒影的关系。





地平线其实是情绪线(Mood Line)的一种。直线在一张图片中可以表达消极,冷漠,也可以表达积极,勇敢以及力量的情绪。(Rikard)


 


而笔者以为,地平线不同于大多数情绪线,因为不存在方向性,其表达取决于它在图片中的高度和角度以及存在感。这三点在后面几个部分会重点进行阐明。


 


水平的地平线表达的情绪主要是稳定和平静(如上图);图中平稳的地平线实际上给人的是一种归属感,安全感,拍摄建筑的时候,这一点非常重要。如果地平线歪了,那么房子也要倒了。你何时见过房地产开发商的设计图是对角线构图的?


 


下图是一张标准的糖水照。这里地平线(在此是水平线,因为你是依据参照物推断拍摄相片的角度以及地平线的大概位置)的水平处理可以给杂乱的环境稍稍加以章法,让整体氛围贴近妹子本身的情绪表达,就是“安静”的概念。



倘若你要拍糖水,然后将整套图的画面都毫无目的地歪来歪去,那么地平线的表达和主体情绪很有可能是相违背的。也就是说,氛围不对,片子在构图上要扣分。




例如,delta designz上在谈到水平线的时候强调了它的功能可以是表达睡眠,原因是“睡眠中的人往往是和地平线处于平行状态”。睡眠也是一种平稳状态,如下图。




如果笔者将构图转一个角度,那么,你是否还觉得这个姑娘在安稳的梦境里呢?





打破地平线的水平状态可以表达不稳定和动感的情绪(如下图)。


但是这种方法要慎用,这一点在文章的最后一部分会着重提到。





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3. 地平线高度与主体的关系


 


正如前文所述,地平线实际上是一条概念化的线,它并不代表任何一个实物,而代表了天空和地面这两个角度不同的平面在画面中的分量。如果地平线较高,那么天空所占的比重相对较小,地面所占比重较大;反之则天空所占比重较大。


 


天空和地面往往给人的感觉大不相同。绝大多数情况下,


天空亮度大,色彩相对简单清新,往往象征了“幻想”,“自由”等


地面亮度低,色彩相对丰富厚重,图片交代的内容更多,可以给人以“压抑”或者“安全感”。


 


以下图为例,地平线位于图片较低的位置,比例上天空远远大于地面,即使大部分天空被树叶覆盖,也并不会影响整体相对清新的氛围。





而相反,下面这张图,提高地平线高度,压缩天空比例,那么效果与上图就正好相反。能够给人一种压抑的感觉。我再打个比较好懂的比方,你坐在路虎车里,头部空间大,肯定觉得舒服自在,但如果你坐在法拉利里面,被座椅和仪表台紧紧包裹着,是不是直接就进入紧张的飙车状态了呢?(说的好像LZ真的坐过一样...)





当地平线处于正中间的时候,天空和地面比例完全一致,这其实属于比较特殊的表达。因为摄影师在绝大多数情况都会去选择前两种倾向。





你需要充足的理由将地平线放在中间(就像你也需要明白自己为什么要把地平线放在高处或者低处一样)。譬如在后期上图的时候,笔者也考虑过裁剪图片增加天空范围。但是这样一来就破坏了倒影和实体的对称效果。




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4. 地平线角度与主体的关系


 


地平线角度这个问题容易让人走向极端,有的人认为水平的地平线平庸无聊,以至于什么图都要歪着拍;有的人认为拍歪了就是违反自然规律,往往提出“地平线怎么可以歪”的言论。


 


我想先分析下这两个观点的误区。


a) 喜欢不合理歪图乃至对角线构图这种情况往往出现在接触了摄影有一段时间的人身上。往往是盲目地追求“变化”“动感”而导致的。其原因或许是缺乏表现手法,强行用歪图来增加与众不同的元素。还有一种可以称为“习惯性歪图”,倘若你发现自己的片子很喜欢往同一个方向歪,而且角度也相近,那么你得考虑下如何突破当前的瓶颈了。


 


b) 反感歪图的人其实也不在少数。这一部分保守派往往误解了歪图的用意。要知道,即使在日常生活中,很多时候我们的视角也并不水平,所以歪图也是我们看待事物的正常表现。不一定非要什么图片都保持水平,歪图运用得体,也可以达到很好的视觉效果,或者是能够做出某种表达。


 


一个倾斜的画面,其实也就是意味着某种倾向。下面破例借一张海报来说明。




图片出处:http://www.zevendesign.com/creating-depth-art-photography/


 


上图中,并没有明显的地平线,但是可以参照楼房的角度感觉到一条从左上到右下的水平线。将图片这样处理,可以给人以水流从右下方涌进来并很快就会充满整张画面的感觉。


 


另外在画面中,人物与水平线的倾角基本相同,给观众的感觉是人物向后倒。大家应该都能够想象,当人向后倒的时候是最不稳定最没有安全感的时候。向前倒的时候,好歹双手可以撑着不至于毁容,向后倒,及看不见又无法自保。这样的水平线与人物的关系制造的是极大的不稳定的感觉。


 


额外再分析一条线,就是人物的视线。这位男士的视线不是指向画面中的洪水或楼房,亦或是画面中任何一个实际的物体,而是指向空白的天空。前文已经分析,天空给人的是想象空间。那么单独这一条线就足以反映人物对当前环境毫不在意以及和对等待某人的专注心理。


 


因此我们将倾斜的地平线归纳为两个主要功能:


a) 加入不稳定因素


b) 制造动态感觉


 


下图中的情绪基调相对比较压抑,所以打破水平线来制造不稳定感。然而并不推崇过度歪图。情绪性的构图中建议加入多样化的线条来打破单一的水平线,譬如图中人物的视线与水平线产生夹角和交叉。这样多样化的交错的线条也能有助于表达复杂的情绪。



下图强调车辆快速行驶过程中的动感,那么打破水平构图在这张图里面就是这个作用。





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5. 打破地平线的构图


 


一张图如果有着清晰的地平线,那么这条线将会毫不了留情地将画面分为天与地这两个部分。这也是很让人头疼的一件事,尤其是在人像摄影中,倘若把画面的主体(人物)完全置于地面的话,那么天空就成了画面上独立的一块空间,似乎与其它部分分离开了。


 


下图在拍摄的时候,画面包含的一小部分天空,但是这个天空在图片中无非是一块功能性不强,表达不明确的空白区域而已,因此后期处理的时候将天空裁掉,让画面显得相对充实。


(左边同样按比例裁掉相应部分,如黄线所示)





除了裁图,更好的办法是打破地平线对画面的分割。下面原图的地平线毫不留情地将画面分为两块,船(主体)位于海面,画面上下两部分并没有什么联系,也就显得天空成了一个不和谐的装饰物,或者给人感觉仿佛是两张图拼凑在一起的。


 


因此,后期的时候,将船的位置强行移动到地平线上,打破其完整性,用船帆将画面的两部分连接到一起,同时也改变了画面拍摄的角度。






镇楼图也是同理,如果拍摄角度太高,那么天空就从画面中分离出去了。把人物放置在地平线上,也可以让天空和地面同时发挥背景的作用。简而言之,找到打破地平线的媒介可以让画面看起来更加紧凑。




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6. 结语


 


天赋是图能力的一部分,后天学习是另一部分。对天赋太过自信而缺乏学习的话,很难理解自己为什么而拍摄一张图,创作思路也会比较凌乱。完全依赖感觉,也很难跳出原本的误区或者瓶颈。这就是我们为何要学构图。


 


在许许多多的摄影技能中,构图是最基本也是最复杂,包含内容最多的。本文中所讲述的地平线只是千千万万构图理论里的一个要点而已。而构图绝对不是独立的技能,如果想要构图得体的话,往往还需要结合摄影师对光线,色彩的理解和运用。


 


这里对新人的建议是,每次举起相机准备拍摄之前,脑子里花十几秒想一下,


地平线的位置在哪里?


是否符合情绪表达?


是否有必要歪图?


如何倾斜地平线效果更好?


画面中是否有作用不大的部分?


或许这样会在一开始降低你摁快门的频率,但是练习时间长了,这些思考就成为一瞬间的反应了。



【教程】风光人像全攻略(上)-拍摄篇

Terry F:

【未经允许,禁止除LOFTER以外的任何形式的转载,如需转载请和作者联系】




拍风光人像的摄影师大有人在,在动笔之前先对真大师们致敬。





当你背上行囊,带着家人或者朋友踏上旅途的时候,固然不会忘记用相机留下难忘的回忆。


对于摄影师来说,或许每一次旅行更大的意义就是在于拍摄平时拍不到的题材和内容。


“与众不同”,一定是你拍摄中的一个重要追求。厌烦了各种社交平台上大量千篇一律V字手势的旅游照,以及影楼流水线式的样板戏,你是否想过在拍摄风格上寻求自我?


 


这套教程将详细讲解从拍摄风光人像的准备工作,时间规划,到拍摄思路,后期方式的一整套流程。其中因为篇幅太长,风光人像的后期将单独作为一篇教程稍后发布。




欢迎LOFTER私信
单图放在LOFTER:http://terryfengphotography.lofter.com/
其他四个人像教程: 请在作者主页上点原创教程按钮




目录:


1. 拍摄原则


2. 在哪里拍


3. 器材准备


4. 时间规划


5. 拍摄攻略




1. 拍摄原则


 


旅行中的风光人像可以拍摄的题材太多太多,不同于在熟悉的地方进行的有计划的人像拍摄,摄影师在拍摄前的准备工作中首先要想到的是:我有什么拍摄条件。如果你有一个表现力强的旅行同伴,那么情绪性题材不失为在不同环境下的首选;如果你有一堆高质量的器材以及丰富的风光摄影经验,那么将人物作为风景的点睛之笔也可以给你的风光拍摄增添乐趣和光彩。但是别忘记了,风光人像最大的优势是将较为复杂的风光拍摄技巧和注重情绪和故事表达的人像拍摄结合,从视觉上和内容上打动观众。当然,达到这一效果,你需要一定的后期技术。




但是就这张图片而言,其效果并不尽如人意。主要问题是,华丽大气的场景让人物的存在感过低,背景的色调和人物并没形成足够的反差,简而言之,人物和环境的结合不够到位。因此这里可以引出风光人像的拍摄原则:


 


风光人像的拍摄原则依然是以人像为主,人物是主导片子情绪和故事的关键。


 


除了多张叠加,风光人像可用的技巧基本还有:


 


慢门






中长焦控制景深





当然,以上方式都可以和HDR的拍摄和后期方式相结合。


这些技巧其实更贴近风光摄影,但是如上文所言,拍摄主题依然是人像。因此不能说风光人像是介于风光和人像之间的摄影,而且将二者的优势融为一体的创作方式。




2. 拍摄地点


 


大多数时候,当你决定去旅游的时候,目的地是你从未去过的地方。在这种情况下,你更需要做充足的功课来避免抵达目的地的时候手忙脚乱。这一部分将主要讲解在出发前该如何选择拍摄风光人像的地点。


 


如果问大家去纽约拍人像应该拍什么?相信很多人不想错过自由女神像。但是一个地标性的景点给人像摄影带来的很大的问题就是容易喧宾夺主。拍出来的东西就更像到此一游。同理,如果去悉尼旅游,你可以和歌剧院合影,但是很难第一次就在歌剧院前面拍出合格的风光人像。切记,风光人像依然是人像。风光再美也只是背景。


图例(不适合拍人像的环境)





那么地点的选择最好具有以下几个特点:


a) 具有地区特点但不是著名景点


b) 环境风格统一但缺乏拍摄主体


c) 游客相对较少


 


下面一张图拍摄于Bombo,那是一个海岸矿场的残骸,非常有特点,单独作为风光取景地来说可谓得天独厚。然而把人物放进去以后,很显然,人物的光芒就被风光所掩盖。这张片子发布之后很多反馈都提到了应该去掉人,单独作为风光片。(然而后期没有按照风光的标准来修图,所以作为风光片也很不合格)





下图同样是拍摄于Bombo,在矿山的另一边是一大片草地(猜一种花的名字),这算是在临走前的意外收获吧。这片草地当然算不上景点,但是当最后一缕阳光从山的夹缝中照射过来,撒在一小片草地上的时候,和谐地烘托出人物存在感。再加以细节,动作上的修饰,寻找并表达所需的主题,就可以算一张比较合格的风光人像了。





3. 器材准备


 


首先你需要一台相机。具体是什么机身并不重要,可以是几千块钱的入门单反也可以是中画幅。拍摄风光人像对画质的要求应该是介于风光和人像之间的,其主要目的还是传达思想,并不需要达到什么极致画质,而风光人像可以多张合成,这也就大大提升了入门机单张画质不给力的问题。所以只要不是便宜的卡片或者长焦,大多数可换镜头相机基本都可以胜任。


 


在镜头的选择上最好涵盖广角到中焦的焦段。笔者的选择是16-35mm 和50mm,如果有多余空间,还会带135mm。但是在使用一段时间之后,感觉如果有一个24-70可能会更轻便和方便。因为超广角端并不是十分常用,太广了的话,对环境要求太高,需要环境非常和谐统一,不然环境太复杂,人物就不突出。长焦使用也非常少,但如果拍摄树林题材,或者需要展现环境层次的题材的话,一个大光圈长焦会带来意想不到的效果。


(玄学狗头迷之配图,祝你拍出灵魂大片。图片来自网络)


 


如果是入门机,不妨带一只10-20mm和18-105mm一类的镜头,价格非常便宜,效果并不差。


(D90五百年神机迷之配图,祝你吊打黑长粗。图片来自网络)




 


倘若需要慢门的话,不要忘记配上一套高质量的ND。便宜的ND会产生色差,给你在后期合成的时候制造麻烦。(合成技巧会在第四部分讲解)。如果不愿在ND上投资过大,国产的也能应付,无非是后期合成的时候要加倍小心。


 


三脚架是必备之物,在能背动的前提下选择最重的,有脚钉的。因为在拍摄的时候经常要把三脚架放在各种险恶的环境里,比如说陡坡上,海浪里,溪流里,狂风中。(LZ脚架上的海盐刮下来都能炒好几盘菜了)


(图片来自网络)


 


然后务必记得带上吸水性好的镜头纸,气吹。以便在恶劣环境中及时清理镜头。笔者就有因为镜头上粘了一点肉眼都难以察觉的水雾,导致一整套策划了好几周,代价巨大的片子全部报废的惨痛经历。


 


最后要注意的是,如果需要长途跋涉的话,设备一定要越少越好,越轻越好。疲劳往往会影响拍片的质量和旅行的心情。




4. 时间规划


 


倘若是单纯的拍摄人像,在准备充分的前提下,一般两小时之内就能结束拍摄。如果单纯是拍风光,为了捕捉日出或者日落的刹那,拍摄时间也不会太长,也不会需要频繁变动机位。而风光人像往往是拉锯战,为了保证出片数量,摄影师必须频繁更换机位。每次更换机位,假设脚架,重新取景,对焦,上滤镜,长曝光,和模特沟通,动作指导,都会花费很多时间。所以在时间上一定要留有足够的余地。


 


以笔者个人的经验来看,假设要出一组14张左右的成品,其中至少6张使用长曝光合成。那么最好准备四小时的拍摄时间。


 


所幸的是,风光人像对环境光要求并不太高,不一定非得踩着日出日落的点去拍摄。一般适合拍摄人像的时间都适合拍风光人像。如果在日出日落大光比的环境中拍摄的话,增加了不少曝光难度,而且因为增加了抢眼的太阳,在构图上也更困难。当然,如果是团队作业,有助理帮忙举灯打板那就另当别论了。


 


所以在自然光拍摄的前提下,倘若能在日落前四小时抵达拍摄地点是最好不过的了。如果你是去从未去过的地方拍摄,那么还得考虑前半小时或一小时的拍摄会不会变成热身时间,并不能拍出理想的作品。笔者不主张风光人像赶日出。拍日出意味着即使在交通便利的情况下,可能凌晨三四点就要动身,这样的拍摄压力影响的不仅是摄影师,模特受的影响更大,因为他们还需要额外的半小时到一小时的化妆试装时间。当你们拖着疲惫的身体,带着黑眼圈抵达拍摄地点的时候,拍摄的成功率自然大打折扣。






5. 拍摄攻略


 


笔者在对许多题材做过尝试以后,感觉风光人像应该算是比较麻烦的一种。其中最大的难题并不是堆栈慢门或者后期合成这些技术,而是摁快门的那一瞬间,你的构图是否合适,构图是否充分考虑的后期的思路。


 


那么让我们从构图入手,分析一下拍摄的时候应该注意哪些问题。


 


a) 中心构图大法好,黄金分割好。当观众看一张图片的时候,绝对不会错过的是图片的中心区域。把人物放在图片的中心,是最保险的突出人物的方式。





b) 线条对视觉的引导也很重要。千万不可强行把人物放在中间,滥用中心构图的方法容易造成的“到此一游”即视感。笔者在使用中心构图的时候,绝大多数情况都是因为环境中可以找到辐射线条,这些线条可以将视线引导到图片中心或者某个特定位置,让整个画面的故事向中间聚拢,这样一来,整张画面传达的信息也就不会太复杂。简洁,但是有冲击力,这是一张合格的照片视觉上所需要具备的重要要素。





下图中,人物的方向,视线的方向和树枝的方向并不和谐,这也大大降低了图片的视觉效果,破坏了内容。






c) 不论你是用中心构图还是找黄金分割点,人物和环境的关系一定要和谐,景物太亮太显眼,必然会过于降低人物存在感,让人物的出现变得可有可无,甚至起反作用。下图中,近处的石头被照亮,由于处于相对靠中间的位置,而且是图中最亮,细节最丰富的地方,反而代替人物成了主角。因此在后期的时候将石头强行压暗。







d) 注意人物身后的背景。和环境人像一个道理,风光人像中,人物占的画面比重很小,那么如果人物背景没有衬托出人物的话,也降低了人物存在感。一般原则是,背景亮,人物暗,人物亮,背景暗。如果阳光把人物和背景都照的很亮的话,那么人就融入背景了;或者如果照片中,人物处于被光面,后期强行提亮太多,结果也是影响了人物和环境的反差。


下图在拍摄的时候考虑到了后期以后,水面会变白,所以将头发位置放在水面高度,身体位置放在深色的岩石前面。这样来加强反差。






e) 眼神交流。一张照片,无论是讲故事,还是表达情绪,都需要用种种方式将这些信息传达给观众。其中,最简单也是最有效的就是让麻豆看着镜头。环境人像中,人物存在感较低,而目光也是吸引注意力的一个不错的方式。以下图为例,再发布以后,有人提出,如果让麻豆看水面或者闭眼的话,效果更好。事实是,拍摄这张照片的时候笔者保留了多组镜头,分别是不同的动作。但是在仔细对比斟酌之后,还是选了这张眼睛看着观众的图。原因就是整个画面的孤独感,从天空,雾状的水面,到水中的礁石,抱紧一团的人物,最终汇聚到眼睛里,直接传达给观众。倘若眼神看向别处的话,整个氛围的中心被引向别处。图片中各个要素也变成了独立的景观,那么这张图也就是失败的了。





但是也并不是所有图都适合看着镜头。下图就是一个典型案例。因为图片中树的方向性是从左到右,留白也是在右边。所以当眼神看向镜头的时候,打破了这个整体的方向,也就导致人物或者景物显得很多余。






再比如,很多时候,让麻豆只留有一个背影比有眼神更好。这样的图片没有眼神对故事的引导,表达方式完全由图片的线条或者人物的动作主导,如果拍摄得当,那么也可以获得很好的效果。





f) 慢门的使用。相信有人会觉得慢门是给整张画面增加亮点的。其实慢门的最主要作用是“做减法”。海浪或者流水在快门下的静止形态非常复杂,如果太好看,就会抢眼,难看就会起反作用。那么用慢门,将水变成线条或者平面,减小水流对主体的干扰。尤其是当水变成线条以后,更方便表达情绪。一般来说,曝光时间越长,水流的雾感更明显,水雾在图中占的面积更大。但是水雾缺乏纹理。如果要拍出有一定纹理的慢门,那么曝光时间一般在30秒左右即可。如果需要拍出有线条的浪花,那么根据浪花的远近来判断时间,1/20秒以上都可以。一般来说,对相机而已,近处的浪运动速度比远处的更快,幅度更大。所以曝光时间相对较短。远处的反之,曝光时间需要更长。


下图曝光时间:12秒





下图曝光时间:93秒





有人问过,慢门需不需要合成?这里的答复是,一定需要。在某些特定的情况下,比如说麻豆坐着,躺着,无风,可以单张拍5秒以内的曝光,但是这样的话,如果需要严谨地表现暗部和高光,你还是需要另外拍两张合成HDR。所以拍摄慢门之前,最好是学习相关的后期技巧。这些具体的后期技巧也会在本教程的PS部分详细阐述。




结语


 


在旅途中拍摄风光人像,不要单纯当做拍旅游照,也不要寄予太大希望。不论是天气,路途还是人的变数都很大。如果要严谨得拍风光人像的话,还是要在同一个地方多次尝试才能拍出最好的效果。总结一下建议:首先,准备工作要做充足。其次,在拍摄的时候,要注重构图的把握,注意人物和环境的关系,同时也要对后期方式和思路有一个大概的准备,这样才能尽可能的让旅途更轻松,出片更漂亮。



【教程】风光人像全攻略(下)-后期篇

Terry F:

(如需转载,请联系作者)


本教程为【风光人像全攻略(上)-拍摄篇】的后续教程,欢迎在作者主页阅读上篇。




欢迎一切形式的提问,讨论,交流以及建议










风光人像在拍摄上相对其他题材来说,具有一定难度,但是对于比较用心的摄影来说,并不会存在太大压力。在之前一篇教程中,笔者简要介绍了拍摄风光人像以及慢门人像所需要做的准备工作和拍摄过程。当完成拍摄,旅行结束回到家中以后,我们就需要考虑如何将拍摄的照片进行下一步的加工了。


 


本篇教程将详细讲解风光人像中比较麻烦的慢门人像的后期思路和方法。简而言之,就是讲解一张(或多张)对环境进行长曝光的照片与另外一张(或多张)对人物进行曝光的照片相融合的方法。


 







有许多人都问过,为什么不能直接对人物进行长曝呢?一般来说,让人物在睡姿或者坐姿保持几秒不动并不困难。但是如果有风吹动了头发,那么片子也就毁了,所以最保险的方式还是人物和环境分开拍,后期合成。合成的方式很简单,相信大家看了接下来的教程就会明白。但是前期拍摄的时候一定要用稳固的三脚架,这样可以免除后期对齐画面的苦恼。


 


相信看过笔者之前的后期教程的朋友们应该记得那些教程中反复强调的三点:


 


·对一张照片需要有个目标,也就是说,要清楚自己想要的效果。


 


·对达到这种效果需要有一个明确的思路,要知道自己每一步到底在做什么。


 


·解决技术上的问题。


 


目录:


1. 基本合成


2. 调色定调


3. 画面精修


 


 


1. 基本合成


 


在明确了以上三点之后,我们就可以进入修图的过程了。这里要进行讲解的是最基本的两张照片合成以及后期的方法。


 


照片1 (光圈:f10 快门:1/20 ISO:100)



照片2 (光圈:f10 快门75秒 ISO:100,使用ND1000滤镜)





接下来第一步是将两张图片都放入PS。将环境图作为背景,在人物图上建立蒙版。


 


图4





(蒙版的概念简单介绍一下:白色代表本图层可见区域,蒙版上的黑色代表本图层不可见区域。如果你要将图层内容擦掉的话,只需要用黑色画笔在白色蒙版上擦除就可以了。这比橡皮擦工具好的一点是,可以随时再用白色画笔修正擦除了的内容。)


 


这里因为人物的占得面积比较小,所以选中蒙版,用Ctrl+i 翻转蒙版,然后用白色画笔将人物大致擦出来。(当然你也可以直接摁住ALT+点击建立黑色蒙版)




图5





擦蒙版的时候,将人物下方的石头区域也一起擦出来一些,这样人物的阴影就自然地投在石头上了。而因为两张曝光程度几乎一样,所以石头部分可以很自然地融合到一起。


 


图6






但是人物上面的区域,不同曝光时间的水的融合并不完美,这时候我们需要使用较小的黑色笔刷,将这一部分的蒙版沿着人物边缘擦除。


 


图7 衔接的问题





图8 仔细用黑色画笔擦掉人物上面的海水






图9 合成完成图





合成完成以后,如果你觉得合成效果不好,比如说色温,曝光有差别的话,可以根据情况用曲线或者色相工具来对其中一幅画面进行调整,让二者融合的更好。


 


图10





这里就用曲线进行微调。并且摁住ALT+鼠标左键点击下面的图层,以此来指定曲线图层效果仅影响下一图层。


 


图11





2. 调色定调


 


合成完成以后,就需要准备给图片调色了。正式调色之前,我们先来分析一下该如何动手。


 


·整张图片用了中心构图,后期的时候需要将观众的视线聚拢到中间。突出人物,弱化周围的环境影响力。


 


·浪花不够大,所以水的慢门效果不够明显,后期需要强化水面效果。


·照片氛围比较压抑,主题也比较安静和沉重,所以后期主要使用冷色调。


 


图12





首先用曲线将图片的地面部分整体压暗。用蒙版擦掉人物的部分,保持其亮度。这样做的目的是提高让天空和地面的明暗反差,让整个画面的重心放到低处来。而保持人物亮度的目的是让人物更突出。


 


图13





然后再来加强水面效果,点击“选择---色彩范围”摁住SHIFT用吸管多次点击水面的部分,选中水面,点确定。


 


图14





用调整边缘工具羽化边缘让刚才选取的范围变柔和,羽化程度根据实际情况调整。


 


图15





随后建立色阶图层,提亮刚刚的选区。但是此时可以看到,提亮的部分比较生硬,而且很多不需要加亮的部分(比如天空)也变亮了,这是因为刚刚的选取颜色工具选中了很多我们不需要的东西。


 


图16





因此需要用画笔对蒙版进行进一步的加工,擦掉不需要的部分。


 


图17,18








随后将要对环境进行整体的染色,一来强化整体氛围,二来让画面冷色调更明显。这里使用LUT进行染色。选择颜色查找,选中LUT中的Nightfromday(相关LUT文件可以在网上下载,如果不习惯用LUT的话,可以用相片滤镜进行染色)。染色完成之后,整个画面都变得很蓝很紫。


 


图19





图20






然后使用雪人插件(类似的明度蒙版插件都可以)用暗部蒙版来修正该LUT的影响范围。


 


图21





但是蒙版并不完美,有一些需要消除的颜色并没有被LUT覆盖,所以要用画笔对蒙版进行进一步的加工。


 


图22





这样处理之后,图片的颜色就稍微理想了一些,但是整体发蓝的感觉还是太强烈。那么接下来我们就需要局部中和蓝色。


 


图23





中和蓝色的方法是加黄,这里可以使用可选颜色,在黑色里加黄。顺便减少红色(主要是皮肤区域)里的黑色,等于起到提亮肤色的作用。


 


图24





图25





随后,在用曲线工具,提亮暗部压暗中间部分。这样做,让最暗的地方变亮,但是整体曝光降低,营造出“灰调”的感觉,增加视觉上的宽容度。(这种做法,在早先的教程里也谈到过,相信许多人已经掌握了)


 


图26





但是这样拉曲线,会损失很多细节,所以我们需要双击这一图层,调出图层样式。在“本图层”摁住ALT拉动下面的小箭头,恢复一部分暗部细节。


 


图27





再然后,我们可以来营造一点柔光效果。其实柔光效果很简单,我知道的大概有五六种做法。这里介绍一种比较方便的做法。首先。我们需要用SHIFT+CTRL+ALT+E建立一个包含之前所有图层的图层。然后用SHIFT+CTRL+U将其转换为黑白。这样,柔光的就不会影响原图的颜色。


 


图28





调整该图层的色阶,增加对比,让亮部更亮,暗部更暗。这样的话,做柔光效果的时候对暗部的影响就很小。


 


图29





接下来是高斯模糊,一般10左右就可以了。


 


图30





然后将图层复制一次,其中一个图层将叠加模式改为柔光,另一个改为滤色,然后调整两者的不透明度。柔光图层的作用是在柔光的时候加对比,而滤色则是过滤掉黑色部分,这里可以在柔光的同时提亮整个画面,抵消一部分柔光图层对画面的压暗效果。


 


图31



完成这一步以后,整体效果的调整就可以结束了,接下来要进行的是局部精修。让画面更加完美。


 


3. 画面精修


 


首先,我们需要加强天空的层次感,这里可以用矩形选区工具选出天空,如果地平线比较复杂的话,建议用套锁来手动选取天空。


 


图32





选好以后,建立色阶图层,压暗天空,并且增加对比,让天空的层次更鲜明。然后调整透明度来进行修正。


 


图33





随后,用黑色画笔在蒙版上擦掉地面部分。


 


图34





此时发现,天空的暗部似乎颜色太鲜艳,当观众看这张图的时候,眼球容易被吸引到云上面去,所以再次使用色彩范围工具选中云层的暗部,建立饱和度图层,降低该范围的饱和度。


 


图35





图36





整张图片的整体构成是由“水”“天”“石”“人”这几个要素构成,画面左边的树给整个图片增加了不必要的元素,因此,我们可以先建立一个整合的图层,然后用图章将其消除,顺便连沙滩也一起消除了。


 


图37





在完成这一步之后,不妨重新审视一下画面(实际上这也是笔者在完成每一张照片之后必做的一件事)。这个重审的过程建议在完成画面之后过半小时乃至第二天再来进行,这样你对画面会有一个新的认识。


 


那么在重审的过程中,笔者发现图片还有以下几个问题。


 


首先画面中,云,水和人物的方向都偏右,导致整个画面的趋势由原本计划的向中间聚拢变成了向右边移动。


 


其次,画面整体太暗,明暗趋势还不够明显。


 


最后,人物还需要做一些矫正。画面还需要做整体裁剪和锐化。


 


图 38






从光影上强调中心位置的方法,既可以是压暗四周,也可以是提亮中心。因为前面提到了,图片整体偏暗,所以我们就采取提亮中心的方法。


 


那么先整体建立一个整合图层,叠加模式改为滤色。这样可以整体提亮画面。然后在黑色蒙版上用白色把中心区域擦出来,这里还顺便擦了一下云的暗部,让天空对比度不那么过于刺眼。


 


图39





然后,既然人物整体被提亮了,那么我们不妨用黑色的笔刷擦掉人物身上不需要提亮的位置,来手动增强主体的光影效果。


 


图 40





随后在用色阶配合蒙版来加强中心区域的对比。


 


图41





随后,对人物肤色进行调整,首先用魔棒工具快速选出皮肤区域,用调整边缘按钮对选区进行轻微羽化即可。


 


图42





因为图片皮肤颜色偏青,偏洋红,那么随后再用曲线略微提高红色,绿色,降低蓝色。然后调整不透明度让肤色恢复正常。因为整体环境偏冷,所以也不宜把肤色调整地太暖太黄。


 


图43





然后在继续使用多个曲线图层对不同部位的皮肤进行微调。(具体的皮肤调整方法请期待之后将会发布的肤色教程)


 


图44





在确定整张片子基本完成以后,就可以利用高反差来进修全图的锐化了。


还是建立一个整合图层,然后转换为黑白,点滤镜-其他-高反差保留。


 


图 45





高反差半径选择一个较低的数值,这里就用了2.6


 


图46





随后,将这个图层叠加模式改为柔光,再复制两层,然后给每个锐化图层都加上蒙版。此时,因为加入了三个锐化图层,所以整张图显出了过度锐化的情况。但是这样的操作,是为了给图片不同区域做不同程度的锐化。


 


图 47








接下来,就用笔刷给图片进行局部不同程度的锐化,第一个层给地面进行一遍整体锐化,第二个层给主体区域进行锐化,第三个层,给人物的细节进行锐化。这样可以在锐化同时尽可能减小对之前做的柔光的影响,而且对图片层次也有提升。


 


图 48






当完成了所有的步骤之后,我们就可以来对图片进行裁剪了。裁剪的时候,把人物放在中间,增强人物的核心地位。这里用16:9的比例裁剪掉大部分天空,这样可以削弱天空的方向性。而且使用16:9的很大的好处是,给画面增加横向延伸感,而且方便做电脑壁纸。但是切记,这个步骤一定要最后来做,最好是先将图片保存为JPG和PSD,然后将保存好的JPG拿来单独裁剪,这样一旦后悔或者改变主意了,原来的尺寸也得以保留。


 


图49





完成图:






结语:

一张图片的创作,是从前期到后期的一个完整过程。在前期拍照的时候最好就考虑好后期需要什么效果,后期可以进行什么样的加工。后期是在合格的原片基础上进行加工乃至创作的方式。因此,拍摄的过程和后期的过程同样重要。


现在很多人过多的注重后期,反而不能出好片子,因为从前期到后期这一个连贯的流程里如果出现了短板,那么最终的效果也很难如意。


顺便再来聊一些我对后期的看法。
很多人觉得后期不重要,又有人觉得后期就是素材的堆砌。这都是很错误的看法。

从创作的角度来说,后期也是摄影创作的一个部分,但是从摄影的角度来看,堆砌素材更接近的是设计,而不是摄影。如何去把握你摄影的方向,还是要看你今后的需求。


现在绝大多数的摄影比赛都是不允许换天换地堆素材的,但是大部分摄影比赛都会专门设立一个允许使用后期特技的分类来评比。所以,接受后期是一个大趋势,而尊重摄影本身也是个基本原则。

【教程翻译】照片合成:视觉魔术的七个基本要点

Terry F:

谨以此翻译稿献给喜欢钻研图片后期的朋友们。


感谢 @Air&N2·Saunato  @Andrew Fang 在翻译过程中给与的帮助。


如果有任何疑惑或者对翻译稿有任何质疑,欢迎留言或者私信提出。


文章出处:http://www.zevendesign.com/photo-compositing/


作者: Rikard Rodin


翻译:@Terry F - LOK'TAR


校对:@琛wow  





  


“一张好的照片就像一个故事的开头,让观众想知道故事将如何发展”- Thomas Herbrich


  所有的设计师都具有的基本技能就是将不同的照片合成到一起,以此创作一张新颖独特的图片。不论是简单的(换天或者换背景)还是复杂的技术(利用一系列不同的照片来创作一张全新的图片)都包含在照片合成的范畴之中。实际上你很难找到一个不需要合成就能完成的设计任务。即使不需要创作一个奇幻的画面,你可能也需要将产品添加到某个背景中,或者将两个素材合并到一张单独的图片里。不论你的照片合成任务是庞大还是简单,下面这些基本原则将都帮助你达到最好的效果。



 大部分照片合成都是很精细的,例如将商标加到图片中,或者将图片加到背景中。 


  这里值得一提的是,任何照片合成所能达到的最好结果就是让你所做的合成工作不被发现,也就意味着每一个看见完成图的人都应该相信这张图是一个单独的画面。没人会对一张贴着假翅膀的女孩的图片发出惊叹,但是如果是一张长着翅膀的女孩的照片的话,那就完全是另一回事了。照片合成有七条“黄金定律”,这些定律是由形形色色的艺术和设计工作者通过十五年的工作和经验总结出来的。




1. 对应素材(透视,光照,分辨率)


  这是第一步工作,也可以说是最重要的工作之一。如果你的背景是一张晚上拍的照片,而且前景素材也是在晚上拍的话,你的合成工作将会相对轻松很多。如果你的前景素材有着高反差的光照效果(晴天的月光照射),那么照亮背景的光线就不应该是散射光。不同图片有着相应的透视也很重要。画面中透视关系不同会导致你在Photoshop里合成照片的时候露馅。这一点可以扩展到“比例”、“质地”、“分辨率”和“胶片颗粒”。尽管有些素材可以在照片合成的过程中达到一致,但是如果你越能够在刚着手合成的时候就让素材保持一致,你所能达到的结果就会越好。以此可以发现,最优秀的照片合成艺术家都是摄影师,他们可以自己拍摄素材,以此来让各个素材之间的光照和透视互相对应。



 在这张图中,所有的素材都是被自然光照亮,瓶子上有着很强烈的顶光,这样就可以和其他素材相协调。 



 这张图是由才华横溢的JohnWilhelm创作,展现了照片合成中使用的许许多多的素材。 



 在水下摄影中,为了和照片中的主体相对应,所有的素材都处理成了顶光效果。 



 这张作品中使用的图片比较少,但是可以看到翅膀做了渲染,来对应照片中的透视和角度。 


    综上所述,下面这些都是为了做合成收集素材的时候要注意事项:


·光照质量和对比度(强光,聚光,包围光,背光等)。


·光照方向/影子方向(顶光,侧光,顺光等)。


·透视 - 你的素材都需要有视觉上的透视,除非是个球体。这就需要使之对应源图片/背景。


·比例 - 相对比例很重要。你可以很轻松地缩小素材,但是放大却不容易。你的源素材不能比你计划的大小要小,因为放大会导致画质下降。细节程度也很重要,成品的细节应该从整体上保持一致。


·分辨率(参见上文“比例”)。


·质地/纹理 - 尽管有添加或减少纹理的办法,但是你最好在一开始的时候图片都有着类似程度的质地/纹理。




2. 优秀的合成需要优质的蒙版处理


  蒙版没做好是业余的表现。


  下面列举的诸多“子技能”在完成照片合成过程中都起着作用:调色,艺术创作,光效,数码绘画等等。当然在这些技能之中,最重要的是蒙版处理。蒙版可以造就也可以毁掉你的合成。优质的蒙版处理是天衣无缝的,而糟糕的蒙版处理可以很容易看出来而且仿佛在对你喊停。Photoshop的蒙版工具组件一直在改进,而且有一些第三方插件也可以帮助处理蒙版。然而,我主张设计师们能够熟练运用传统的方法来处理蒙版,也就是用钢笔,笔刷工具和通道来处理蒙版。从这种观念而言,用更新的工具只是加速和加强处理而已。



 天衣无缝的蒙版早就了完美的合成图。将时间花在完善蒙版上有助于制作优质的照片合成。 



 蒙版是将分开的素材放进全新设计中的重要途径。




3. 光效就是一切


  不要让光效看起来很突兀。


  我在上文中已经提到了使你所使用的素材之间的光效保持一致是很重要的。调整不同素材以及前景和背景之间的光效,使它们给人以光效相同之感,这一点正如你刚把各个素材放到一起的时候一样重要。这意味着你需要利用曲线和其他调整图层来增加或减少对比度,用笔刷工具来给素材增加高光或者轮廓光,乃至改变高光的颜色,让高光对应光源。



 请注意女人头发上和夹克上高光的颜色,以及整张图片其他部分的颜色,它们都经过了调整并与在背景中新增的晚霞光相对应。 


  你需要格外注意素材中的黑色色阶,因为随着素材和相机的距离增加,它们上面会出现出一定程度的“空气”,这会致使黑色越来越不纯。从根本上而言,黑色色阶就是图中的黑色有多深,越靠近相机的素材,拍出来它的黑色就会越深。这一点实际上可以进一步理解为素材整体的对比度。素材越靠近相机,它的对比度就越高;距离越远,对比度就越低。



 左图:请注意黑色色阶所产生的效果。左边士兵的黑色色阶与背景相符,其他两个的黑色色阶都太深;右图:黑色色阶随着与相机距离的接近而加深。 


  最后,光效可以扩展到为你的画面添加光和眩光。. J·J·艾布拉姆斯(JJ Abrams)在镜头眩光处理方面可谓大师,而且我并不反对他这么使用镜头眩光(译者注:参见http://www.theverge.com/2013/9/30/4788758/j-j-abrams-apologizes-for-his-overusing-lens-flares)。镜头眩光可以很好地让不同的素材“溶”到一起。因为眩光是相机里产生的“瑕疵”,所以你的潜意识会告诉你这个画面是相机拍的而不是在Photoshop里合成的。需要提醒大家的是,Photoshop里面内置的镜头眩光效果非常糟糕,你需要到网上找镜头眩光合辑或者使用灯光工厂(插件)。下面是我找到的一种,我相信你可以找到更多。



 


4. 统一色彩


  色彩就像地毯一样让空间成为一个整体。


  在整合你的设计的时候,请尝试将所有的色彩都调整为一种中性的白平衡。简而言之,灰色就应该调成灰色。这可以让你一开始的所有的素材都在某种程度上达到白平衡统一。只能在你将素材整合完毕之后再整体调节图片的白平衡。然后你可以根据照片的特点来选择将照片处理成暖色还是冷色。通过对整张画面进行上述调整,可以使完全不同的素材融到一起,给人以和谐之感。



 上图展示了调整前后的效果。左图包含了所有的合成素材,但是并没有调色。右图是经过调色的相同的合成图。 



 上图是由极具才华的ThomasHeinrich 所作。可以看到整张图片都被染上了紫色/洋红,让合成完成图更加融为一体。




5. 图层和混合模式是你的好助手


  从根本上而言,照片合成就是将照片裁剪并一层一层互相叠加。


  在发明电脑之前,照片合成是手工完成的,真的是用刀片刻照片,然后多次曝光拍照。按照如今的标准来看,那时候的成品都不尽如人意。但是在当时,这些图片都如同“魔术”一般,还造就了一些著名的骗局(本文中将提到一些例子)。



        1994的Photoshop 3.0 引入了图层这一概念,这可谓给所有的使用电脑,扫描仪的摄影师或者艺术家打开了一扇门,让他们可以利用Photoshop来进行照片合成(别忘了这是在数码相机普及之前的事情)。如今,尽管Photoshop已经更新到了第十五个版本,但是图层和其混合模式依然是任何照片合成的最基本构件。如果你使用Photoshop的话,你应该对叠加和柔光混合模式做一些了解,这些都是你的伙伴。 


  不同于正片叠底和滤色这些“单一”的混合模式(它们使一些东西变暗或变亮),叠加同时具备两种功能,它可以使上面的图层(叠加的图层)的一些地方比背景层更亮,也能使另一些地方比背景层更暗。柔光和叠加的功能一样,但是更加精细。使用上述两种混合模式,你可以为图片添加质地、纹理、光照、色彩和对比。而且因为你是在合成的素材之上进行上述调整,其效果可以让整张画面融为一体。与我合作的一位概念艺术家用这种方法来完成几乎是不可思议的工作,例如为宇宙飞船添加控制台,为汽车添加仪表盘等等。如果对这些混合模式进行尝试,你会惊讶地发现它们实际上非常有用。



 上图中使用了叠加和柔光来添加质地。




6. 中间是最理想的位置


  设置一个前景,中景和背景,将主体放在中景。


  如果你要将某个素材加入到画面里,请将它放在中间,而不是画面顶部。你的合成应该有前景,背景和中景。中景是放置主体的地方。并不是所有的背景都会把自己的地位让给“中景”,这就意味着你更需要具有创造力,这种情况要求你合成额外的前景素材,这样你的主体在合成作品中就处于中景的位置了。像使用雾气,火焰,碎片,雨雪和闪光都是一些常见的窍门。在前景增加这些素材可以将主体推进合成图里面,进而营造看起来更真实的画面。下面展示的是才华横溢的Peter Jaworowiski 创作的一组(三张)合成作品,这些作品很好地展示了这一原则。将素材放在主体(瓶子)前面和后面,让整张画面看起来结合的更好。



  



  



  从第七街工作室的这一系列作品中,你可以看到如何利用在前景添加闪光和蝴蝶的方法将主体推进画面深处。这个几乎有着魔术般视觉效果的照片实际上就是将照片一层层叠加到一起。 



  


7. 引导注意力


  看起来觉得美的就是美,让观众看你想让他们看的地方。


  很显然,这一点适用于任何设计,这简直可以视为设计的初衷。但是在照片合成中,你可以把观众的注意力从合成图里相对明显的位置转移到你希望观众看的地方。图中脚和地面接触的位置就是个很好的案例。这个区域很难合成,所以可以通过把这个区域裁掉或者压暗的方法将注意力从这上面转移开来,这样就可以让整幅画面融合的更好。在下面的案例中,我确实花了几分钟让脚和地面接触的位置看起来更真实,但是压暗画面并且通过大暗角让注意力集中在士兵身上,并稍微提升整个画面效果。



  


总结


  利用上述方法,你可以提升任何照片合成效果。切记,一个优秀的照片合成的成品就是要让人们看不出它是合成的照片。对于大多数作品而已,这就是意味着人们觉得图片是单张照片;对于更复杂的照片合成作品,这就意味着你需要创造一个能让你敬畏的场景,就像小孩子第一次看到魔术表演中的某个花招一样。就像Thomas Heinrich说的:“它们需要让人感到意外,给人带来惊讶和一丝笑容。”


  关于照片合成,我最后要说是,上文没有提到的优秀的照片合成作品都有一个先决条件,那就是一个好的创意。如果没有好创意,那么你仅仅是把照片放到一起,这对于任何设计来说都是真理。德国平面设计师 Thomas Manss 说过“你需要从一个值得回忆的想法来开始创作一件值得回忆的设计作品。”很多照片合成的作用只是整个大画面中的很小一部分(例如将产品放到背景中),但是如果你为了完成一件单独的艺术作品而去照片合成的话,你就一定需要有一个好创意。好的创意和实现创意的好方法是我另外一篇文章(或者一系列文章)的话题,所以在这里就不做解释了。



 一幅由才华横溢的ThomasHerbrich 创作的合成照片。